A magia do Cinema

Jack Frost é o protetor das crianças e tem o poder de fazer nevar. Papai Noel presenteia as crianças de todo o mundo cristão  ocidental. O fofíssimo Sandman protege os sonhos das crianças evitando pesadelos. A fada dos dentes recolhe os dentes de leite das crianças trocando por doces e bugigangas. E o Coelho da Páscoa... não preciso nem dizer não é mesmo? Quando Bicho Papão resolve atacar e por medo nas crianças invadindo seus sonhos, credulidade e fantasia, os guardiões resolvem se unir e contra atacar estimulando a imaginação das crianças a fim de sustentar a magia no mundo. O detalhe da produção é a inovação nos personagens principais: Papai Noel é tatuado, o Coelho da Páscoa possui 1,85 e é metido a badAss, a fada dos dentes é esquistamente sexy e o desconhecido Sandman é fofíssimo se comunicando através de desenhos.

No estilo Os Vingadores mirim, A Origem dos Guardiões possui um roteiro tão bem amarrado e um visual tão inebriante que agrada tanto a criançada ( tanto que a meninada não parava de rir) quanto a adultos como essa que escreve. A animação é visualmente original, dando belas representações para os poderes de cada um, além de contar com um design de produção inspiradíssimo não apenas para as roupas dos personagens, mas também para o habitat/base de operações de cada um deles.

Escrito pelo ganhador do oscar de melhor curta de animação do ano passado, William Joyce e dirigido por Guilhermo Del Toro ( Labirinto do Fauno) realmente não teria como dar errado. Leve e gostoso de assistir. Belo modo de terminar o ano.

Festas natalinas e de fim de ano geralmente rendem ótimas histórias para o cinema. È claro que teve alguns erros como o insípido Feliz Ano Novo mas de resto são filmes prazerosos. Seja drama ou comédias alternativas como 200 cigarros.
                     
Dirigido por Risa Bramon Garcia, 200 cigarrettes se passa na virada do ano de 1981 para 1982 em Nova York. Monica é uma jovem neurótica de vinte e poucos anos que prepara uma festa de arromba para comemorar a passagem do ano. Chama amigos, parentes, conhecidos e conhecidos de conhecidos. O problema é que as horas passam e ninguém chega. Ao longo dessa espera o filme corta para a histórias de desencontros e encontros amorosos de alguns desses jovens convidados. E assim vai: namoros, brigas, problemas, alegrias... tudo com um pouco de bebida e muito cigarro.

Título: 200 cigarrettes
Elenco: Ben Afleck, Casey Afleck, Cristina Ricci, Marta Plimpton, Elvis Costello
Ano: 1999

O cinema nacional me enche de orgulho. Apesar de ser exportado como cinema social ou cinema de favela, os filmes do chamado movimento novíssimo cinema abordam a subjetividade, realismo fantástico e dramas psicologicos. Ou seja, são filmes que se interessam no ser humano e não somente no contexto social.

O Palhaço, Rua dos Bobos, Feliz Natal, O Astro e Trabalhar Cansa são alguns dos belissímos exemplares desse novo cinema que faz pensar e também aflorar a nossa imaginação. È o tipo de cinema que da espaço para obras autorais e independentes e que em temas particulares se tornam universais. E também são plurais nas suas singularidades.

Em A falta que nos Move dirigido por Cristiane Jatahy, o vazio e a relação verdade x ficção são discutidas através de uma trama simplória: amigos se reúnem para realizar um jantar e receber uma pessoa misteriosa. Nessa espera ocorre frivolidades, conversas francas, acidentes banais elevados a tragédias gregas e muito, mas muito improviso. A espera por esse convidado misterioso lembra Esperando Godot e assim como no livro Godot é a representação de uma eterna espera ou de uma eterna busca por algo maior do que nossa ínfima humanidade. È a incompletude da vida.

Em tom semi documental a diretora Jatahy aparece dirigindo as cenas  através de mensagens no celular ou bilhetes. Dando dicas de posição do elenco ou sobre o roteiro, ela realiza a proeza de transformar  o espectador em um agente participante desse jogo ( será as lagrimas, histórias, conversas e tensas discussões verdadeiras? ) e não somente um mero espectador.
Investigando os limites entre realidade x ficção, essa transposição cinematográfica de sua peça Todas as histórias são ficção,Jatahy nos propõe a ideia de que sem a ficção, ou seja, sem a mentira seria insuportável viver. E que as vezes ela pode ser o motor da vida.

Título: A falta que nos move
Diretor: Cristiane jatahy

O teatro na Grécia Antiga teve suas origens ligadas a divindade Dionísio. Tinha um carater orgiástico e catártico. A platéia que permanecia de pé durante cinco, seis horas acompanhando a peça experienciavam uma espécia de mudança ao sair do teatro. Não saiam do mesmo modo que entraram no teatro. Os tempos mudaram e o que antes era uma experiencia catártica agora é só entretenimento entre um jantar e a balada.
Essa breve introdução da resenha sobre a origem do teatro não é fora de contexto. Ir ao cinema tem esse efeito sobre mim. Não é apenas um passatempo. È uma experiência enriquecedora. E quando o filme é obra prima ou ocorre uma identificação a catarse é natural. È o caso de As Vantagens de ser invisível.

Escrito ,dirigido e produzido por Stephen Chbosky, baseado em seu próprio livro de 1999, a trama fala sobre um jovem introvertido e complexo chamado Charlie ( Logan Lerman), que tenta fazer amigos e ser aceito nos primeiros dias de aula do segundo grau. Sua vida de isolamento e depressão muda radicalmente quando ele decide fazer amizade com o underground Patrick (Ezra Miller), que lhe apresenta um novo mundo de amigos descolados. Entre eles, Sam (Emma Watson), por quem o protagonista começa a desenvolver um grande amor. A história ganha o contexto do início dos anos noventa, o que só acrescenta a trama pois a trilha sonora com o melhor da época ( U2, Depeche Mode, The Smiths) é precisa em detalhes e momentos cruciais passados pelo personagem sem ser piegas.

Escrever a sinopse não é tarefa fácil. Qualquer linha não irá fazer jus ao filme e soará como qualquer outro filme adolescente raso e boboca. A verdade é que nas entrelinhas é onde a obra ganha seus grandes contornos. Como o fato da amizade ser um forte alicerce para a superação de problemas familiares e interiores. De ser até capaz de salvar alguém. 
Stephen Chbosky, o diretor, consegue imprimir grande sentimentalismo e drama ao filme, sem nunca exceder sua aceitação. Até o mais cético deverá se emocionar aqui.

Tim Burton é dono de uma respeitável e longa cinematografia. Começou em 1982 com a animação em stop motion Vicente (homenagem ao seu ídolo do horror Vincent Price ) e desde então não parou mais. Em trinta anos de carreira é obvio que houve altos e baixos mas felizmente em quase 20 filmes houve mais altos do que baixos. E Frankeweenie entra no hall dos melhores de sua carreira e também um dos melhores filmes do ano.

O que permitiu o longa ser um sucesso de crítica mas não de público, foram algumas liberdades tomadas por Burton como o uso da fotografia em preto e branco ( uma das referencias ao cinema B dos anos trinta e quarenta), associada ao 3D realçando o próprio stop motion. Não se pode esquecer  as ínúmeras referências de seus próprios filmes e de outros personagens bizarros de outros filmes como Jurassick Park, Gremlins, Godzilla, A Múmia e finalmente Frankstein.

 Victor Frankenstein é um garoto de um típico suburbio americano. Prefere aulas de ciência à prática de esportes, e tem no cão Sparky seu melhor amigo que espanta a solidão com seus latidos e jeito amigável. Quando uma fatalidade encerra a amizade, Victor emprega em um experimento científico o que aprendeu na escola sobre tecidos ervosos estimulados por correntes elétricas - e numa noite de tempestade faz Sparky renascer. Para azar de toda a comunidade, porém, a feira de ciências da escola está se aproximando, e os colegas de sala de Victor também decidem testar o método de Frankenstein.

Depois do irregular Sombras da Noite, Burton não somente com um personagem, mas com vários,  passa a mensagem de que cada vez mais o mundo é preenchido pelos excluídos. Os tempos são outros, e depois de um tempo para conseguir enxergar isso, Burton volta com tudo, acompanhado de suas deliciosas referências e dos incontáveis espectadores que com certeza voltam a se identificar com seus conflitos e excentricidades.

Há um tipo especial de filmes e personagens: São sobre aqueles homens que não querem crescer. Anti-heróis que retratam homens de trinta e poucos anos que vivem de algum tipo de renda ( nesse caso royalties de um sucesso natalino), não possuem filhos ou família e viver para a mulherada e amigos é o propósito. È o tipo que mais arranca risadas e simpatia. Deu certo com Adam Sandler em Big Daddy. O problema é quando o personagem antes egoísta e imaturo toma consciencia  da vida superficial que leva até então e  começa a  refletir sobre. As frases sagazes dão lugar à chavões e situações politicamente incorretas são substituídas por tentativas de regeneração. Ele acaba se normalizando. Essa é a rotina do roteiro desse "genêro" e Um grande garoto infelizmente não foge disso.

Para os cinéfilos e os apreciadores comuns de cinema que estão, assim como eu, na vibe de assistir filmes leves,bobos e escapistas, não há pedida melhor do que Manequim- A magia do Amor. Filme dos longíquos anos 90,  Manequim possui uma história simples:  Um decorador de vitrines(o bonitinho William Ragsdale), numa grande loja americana, liberta o espírito de uma camponesa que está presa dentro de um manequim há quase mil anos. È claro que ele se apaixonará por ela  e terá que enfrentar um poderoso feiticeiro para ter o seu amor eterno. Com a ajuda do seu amigo gay afetado chamado Hollyood, que oferece momentos engraçadíssimos ao longa, enfrentar situações bobíssimas para conseguir seu intento.
È realmente o tipo de fillme no qual quem assiste percebe que o elenco esta ali se divertindo e afinal só esta no longa para pagar as contas e pelo prazer de fazer cinema. Mesmo sendo trivial.
 Grande clássico da sessão da tarde, é um exemplo de que o cinema não precisa ser sério e complexo o tempo todo. De complicado já basta a vida. E ás vezes uma diversão escapista é tudo o que precisamos.
• Roteiro: Edward Rugoff (personagens e roteiro), Michael Gottlieb (personagens), David Isaacs (roteiro), Ken Levine (roteiro), Betsy Israel (roteiro)
• Gênero: Comédia/Fantasia/Romance
• Origem: Estados Unidos
• Duração: 95 minutos
• Tipo: Longa-metragem

Quem já conhece o trabalho de Valerie Faris e Jonathan Dayton já sabe que sairá dos cinemas com um grande sorriso no rosto. Diretores do terno e superesimado Pequena Miss Sunshine e clipes dos Smashining Pumpks e R.E.M, essa dupla sabe ser original.
 Calvin Weir Feilds é um jovem escritor ( um jovem J. D Salinger, como ele mesmo se auto intitula).È premiado e famoso por seu livro de estreia que marcou uma geração. O best seller foi tão marcante que tudo o que ele é e tem se deve ao romance. Agora ele busca por inspiração para o segundo romance mas um bloqueio criativo causado pelo término de seu namoro de cinco anos com sua primeira e única namorada o impede de escrever. Em uma consulta, seu psicanalista o aconselha a escrever sobre algo que o motiva. Esse é o ponto de partida para a Namorada Perfeita. Na história, Calvin começa a escrever sobre uma namorada idealizada. Escreve, escreve e sonha com ela. Sonha tanto que o seu ideal romantico ganha vida. Uma vez tendo a mulher de seus sonhos em seus braços, é só correr para o abraço certo?Não. Não para o vazio Calvin. Mesmo sendo sua criação e tendo total controle sobre ela, Ruby ganha contornos reais, com sentimentos e anseios como qualquer outra jovem. Anseios também relacionados ao seu relacionamento. È aí que Calvin entra em cena novamente e começa a escreve-la de acordo com suas necessidades: Se ele estiver carente, ele a escreve de modo que o satisfaça. Se  estiver precisando de espaço, ele a molda como uma mulher independente. E por aí vai...
Splash- Uma sereia em minha vida, Mulher nota mil e Mais estranho que a ficção são alguns dos filmes que possuem um mote semelhante, mas Ruby Sparks se diferencia desses não somente pela tecnica e elenco experiente mas também pela discussão mais aprofundada sobre o amor. Será que esse sentimento é realmente altruísta ou é só uma extensão de um amor próprio?

Apesar de ser classificada como comédia, não é uma  comédia escrachada e rende boas discussões sobre  amor, narcisismo e criação literária. A obra é ao mesmo tempo cômica, doce e melancólica quando precisa, e conta no elenco com a participação de gente como Annette Bening e Antonio Banderas.
 
Ruby Sparks
Diretor: Valerie Faris e Jonathan Dayton
Elenco: Paul Dano, Zoe Kazan, Annette Bening e Antonio Bandeiras
Ano: 2012

Título: A dama de Ferro
Direção: Philyda Lloyd
Elenco: Meryl Streep, Harry Loyd,Richard E. Grant
Ano:2011  

Recém formada na universidade, garota (Winona Rider) conhece importante empresário do ramo de tv (Ben Stiller). Ao iniciarem um relacionamento,ela recebe e cede a  declaração de amor do melhor amigo(Ethan Hawke).
 
Mais um classico moderno do cinema independente americano a abordar com  charme,os conflitos profissionais e emocionais da famosa geração X( jovens na faixa dos vinte-trinta e poucos, sem perspectivas). O ator Stiller que representa no filme a posição madura e careta da história faz sua estreia atrás das cameras buscando inspiração no visual MTV anos 90. Apesar de o inicio ser fragmentado, mostrando momentos de um documentário feito pela personagem de Winona Rider, o filme toma folego quando surgem os efeitos provocados pela ansiedade e insegurança da protagonista.
Só o desfecho, lacrimosamente romântico,distorce um pouco a realidade retratada e proposta.

Título: Reality bites
Elenco: Winona Rider, Ethan Hawke, Ben Stiller,Jeannine Garofallo,Swoozie Kurts
Direção: Ben Stiller
Ano:1994

Dirigido por David Hugh Jones(Ghost Whisperers), Nunca te vi,sempre te amei conta com um elenco talentoso composto por Anne Bancroft, Judi Dench e Anthony Hopkins. No longa, uma pobre escritora americana e o gerente  de uma livraria especializada em livros raros  em Londres passam a se corresponder quando ela descobre que só nesse lugar consegue achar os livros que tanto almeja. Durante 20 anos passam a trocar cartas,e junto com os pedidos surgem conversas sinceras e o nascimento de um belo laço de amizade.

Certa vez ouvi de um crítico de cinema dizer que bons filmes resistem ao tempo. Pode se passar trinta,quarenta,cinquenta anos que se for bom ele não perderá o encanto. Esse é o caso de Nunca te vi,sempre te amei.
Passados mais de vinte anos desde sua estreia nas telonas, a história em si poderia soar datada e inverossímil  já que em plena era digital é praticamente impossível se corresponder com alguém sem saber nada sobre quem esta do outro lado. Mas ainda assim é um charme. A fotografia da  Londres retratada, o amor que a escritora e o gerente da livraria sentem pelos livros e literatura e claro o laço de amizade criado graças a arte. Grandes filmes são assim. Atemporais e sempre deliciosos de se ver.

Trailer:
 http://www.youtube.com/watch?v=cC7i98SXGpY

Título: Nunca te vi,sempre te amei
Elenco:Judi Dench, Anne Bancroff,Anthony Hopkins
Ano:1987

 Casal vive romance intenso. Se reencontram após a segunda guerra no bar dele. A música As time goes bye toca incessantemente. Será que esse reencontro irá acender as chamas de outrora?
 Bruno (Gonzalo Valenzuela) e Daniela (Blanca Lewin) se conheceram poucas horas antes e agora estão numa cama de motel. Eles fazem amor, contam suas vidas e dividem sonhos, verdades, mentiras, anseios e medos. Ao fim da noite a intimidade entre eles é tão forte quanto passageira, já que terminará ao amanhecer
 Joel (Jim Carrey) e Clementine (Kate Winslet) formavam um casal que durante anos tentaram fazer com que o relacionamento desse certo. Desiludida com o fracasso, Clementine decide esquecer Joel para sempre e, para tanto, aceita se submeter a um tratamento experimental, que retira de sua memória os momentos vividos com ele. Após saber de sua atitude Joel entra em depressão, frustrado por ainda estar apaixonado por alguém que quer esquecê-lo. Decidido a superar a questão, Joel também se submete ao tratamento experimental. Porém ele acaba desistindo de tentar esquecê-la e começa a encaixar Clementine em momentos de sua memória os quais ela não participa.

Jesse (Ethan Hawke), um jovem americano, e Celine (Julie Delpy), uma estudante francesa, se encontram casualmente no trem para Viena e logo começam a conversar. Ele a convence a desembarcar em Viena e gradativamente vão se envolvendo em uma paixão crescente. Mas existe uma verdade inevitável: no dia seguinte ela irá para Paris e ele voltará ao Estados Unidos. Com isso, resta aos dois apaixonados aproveitar o máximo o pouco tempo que lhes resta.

http://www.youtube.com/watch?v=ydmQXtfnnFY